Top, là ! : Jean-Michel Jarre

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Dans un habillage inspiré par le thème du temps qui enveloppe l'album d'une trame bien serrée et cohérente, Jarre développe un ensemble de mélodies plus marquantes les unes que les autres, enchaînant les titres phares avec une régularité qu'il n'avait plus exprimée depuis Équinoxe.
Mon album préféré depuis sa parution, sans jamais flancher.

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Quarante-trois après sa parution, Oxygène premier du nom (puisqu'il a depuis été prolongé de deux suites), n'a pas pris une ride. Signe qu'il est bel et bien un disque intemporel, dont on comprend encore aujourd'hui l'impact phénoménal qu'il a eu sur la musique électronique en particulier, et la musique de la fin du XXème siècle en général.

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Équinoxe transforme l'essai Oxygène avec la manière, et installe Jean-Michel Jarre dans le paysage pour très longtemps, et le plus grand malheur de ses détracteurs (tant pis pour eux).

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Objectivement, Zoolook est l'album le plus révolutionnaire de Jean-Michel Jarre. Encore aujourd'hui, soit 26 ans après sa parution, il tranche radicalement dans sa discographie, par son avant-gardisme, son jusqu'au-boutisme, son traitement totalement atypique et original de la composition musicale couplée à la technologie.
Cependant, musicalement, ce n'est pas celui qui m'emporte et me touche le plus...

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Un album qui s'ouvre magnifiquement mais s'achève beaucoup moins bien, perdant de l'inventivité et de la puissance au fil de ses cinq titres. Il n'en reste pas moins une œuvre forte de Jean-Michel Jarre, qui ose l'expérimentation et reste brillamment connecté aux évolutions de son environnement technologique.

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Curieusement inspiré par ses "Watchers", ainsi qu'il appelle désormais les personnages extirpés de la pochette originale d'Equinoxe, Jarre retrouve la grâce, l'inspiration, renouvelle ses idées sonores et retrouve sa capacité à balancer de la mélodie qui marque, tout en expérimentant de nouveaux territoires. La totale !

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Si j'intègre ces Concerts en Chine dans cette liste des disques studio de notre Jean-Mimi national, ce n'est pas juste pour épaissir la sauce, mais bien parce que l'apport de ce double album à l'oeuvre du compositeur n'est pas négligeable, en raison des inédits qui le parsèment - et aussi, et surtout, parce que ce disque, bien qu'estampillé "Concerts", a largement été remanié en studio.

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Hors la ritournelle désormais abominable de la partie 4 (repêchée dans une poubelle par un collaborateur du compositeur... tout un symbole), Rendez-Vous est un album qui vaut mieux que d'être sacrifié sur l'autel des vieilles gloires passées. Il a le tort d'avoir surgi trop vite, deux ans après un Zoolook d'anthologie, et de faire croire à une régression d'inspiration chez Jean-Michel Jarre.

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Avec le recul, j'ai fini par admettre qu'Oxygène 7-13 était le digne héritier de son glorieux aîné. Pas aussi novateur, bien sûr, c'était impossible. Peut-être pas à la hauteur, parce qu'on ne reproduit pas deux fois le même miracle. Mais globalement réussi, oui, et traversé de moments magnifiques.

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Un boulot de dingue. Après une première écoute il y a quelques mois lors du live initial à la Maison de la Radio où Jarre avait présenté ce projet, et une deuxième à l'instant en binaural le jour de la sortie du disque, c'est la première impression qui ressort : un boulot de dingue.
JMJ n'a sans doute jamais poussé aussi loin la manipulation des sons, leur architecture, leur agencement les uns par rapport aux autres, y compris dans l'espace - puisque c'est le point fort de cet album concept : travailler la spatialisation du son en faisant exploser les limites de la stéréo par le recours à une technique affolante de dispersion à 360°.
Pour cela, il s'est appuyé notamment sur des échantillons mis à sa disposition par Pierre Henry, pionnier de la musique électronique et électroacoustique, également mentor lointain de Jarre au GRM (Groupement Musical de Recherche) dans ses jeunes années.
Le résultat est une orgie d'écoute pour qui aime les sonorités venues d'ailleurs, mais pas forcément une expérience très aimable de prime abord. On est à mille lieues des mélodies éthérées et planantes d'Oxygène - d'ailleurs, des mélodies, il n'y en a pour ainsi dire pas. Jarre multiplie les séquences, les basses, les ruptures sonores, ajoute ici des incursions vocales plus ou moins triturées, là des rythmiques lourdes ou inattendues (cf. la petite ligne jazzy à la fin d'Animal Genesis).
La palette est luxuriante, poussant beaucoup plus loin les expérimentations récentes d'EöN ou d'Amazonia, dans la lignée desquels Oxymore s'inscrit d'ailleurs complètement, signe que Jean-Michel Jarre traverse, à 74 ans, une période d'innovation d'une cohérence d'autant plus admirable qu'elle se moque d'être appréciable d'un vaste public, voire d'une partie de sa fanbase en quête éternelle des mêmes rengaines faciles.
Une prise de risque à saluer, et un album à réécouter un certain nombre de fois pour en apprécier la richesse rugueuse.

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Dans la première partie du disque, le mélange des genres, entre synthétiseurs ultra-modernes et steel drums, produit une musique au son totalement neuf pour le compositeur, même si on reconnaît sa manière de camper des séquences de basse ultra-dynamiques pour porter ses morceaux.
Puis vient le morceau-titre, qui pourrait durer dix minutes comme dix heures (sur cd, il affiche 47 minutes), tant il est conçu pour étirer le temps, le suspendre, et faire perdre à l'auditeur tout repère usuel. Un titre à nul autre pareil qui a la vertu d'hypnotiser, d'apaiser, de faire réfléchir, de créer un espace sonore unique et familier à la fois.

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Rien ne m'avait préparé à un tel retour en force, huit ans après le catastrophique Téo & Téa. L'annonce progressive du vaste projet collaboratif Electronica, appelant aux côtés du musicien une bonne partie du gratin électro (voire un peu plus large) de la planète, a donc été une sacrée surprise. Et le mieux : une bonne.

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Un album schizophrène, le docteur Jekyll brillantissime des morceaux titrés "Révolution" rongé sans répit par le Mister Hyde exaspérant les compositions suivantes. Drôle de disque, hanté par le son glacial du Roland D-50 et par des tentatives de renouvellement musical qui ne convainquent pas toujours.

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Bande originale d'une exposition photographique de Salgado, Amazônia se rapproche de certains travaux récents du musicien français, en particulier Eön, l'application pour iPhone qui reposait sur l'imbrication de fragments évolutifs pour élaborer une musique auto-suffisante, infinie et systématiquement inédite.
On retrouve dans Amazônia ce travail sur les fragments (également à l’œuvre dans les jingles composés par Jarre pour la chaîne France Info), permettant ici d'illustrer la richesse naturelle de l'Amazonie, la grande diversité de son écosystème.
Un voyage surprenant et stimulant, une immersion créative, et une invitation au cœur du grand rêve de la nature, qui ne manque pas d'intérêt.

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Electronica 2 poursuit le travail d'exploration de la galaxie électro, par un Jean-Michel Jarre décidément apte à rebondir, poussé sans relâche par une curiosité insatiable, une envie de partage et de nouveauté qui assure davantage sa quête d'éternelle jeunesse, que les tristes errements de la décennie 2000 (cheveux trop longs et teints en noir trop corbeau, dérives people d'une vie plus privée du tout, passions amoureuses tapageuses et sacrilèges musicaux).

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Composé pendant le marathon du projet Electronica, Oxygène 3 est un opus qui ne manque pas d'intérêt, mais dont chaque écoute me frustre un peu, parce que j'y entends en filigrane l'album passionnant qu'il aurait pu être.

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A la différence de la plupart des best of, AERO n'est pas qu'une brochette à enfiler vite fait des tubes et à balancer chez les disquaires pour ramasser (ou pas) du pognon facile. Jarre s'est donné du mal. En commençant par réorchestrer, rejouer, réenregistrer tous les morceaux choisis pour figurer sur le disque. Ça, déjà, c'est très rare.
Ensuite, il a conçu des transitions entre chaque morceau, de véritables petites plages sonores comme autant d'évocations poétiques, qui font de l'album un continuum musical particulièrement bien agencé.

Petit revers de la médaille, l'ensemble est peut-être un trop propre, trop minutieux, d'une froideur clinique.

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L'ensemble de l'album, composé pour la première fois depuis Zoolook de morceaux séparés, sans transition entre eux, manque d'épaisseur, de profondeur, d'idées neuves. Tout transpire la fatigue, l'inspiration en berne.
Pourtant, avec le recul, cela reste un disque honorable.

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C'est l'histoire d'un album qui n'existe pas, qui n'est jamais sorti dans le commerce, mais qu'on peut trouver partout aujourd'hui (dans une qualité sonore ignoble) et que tous les fans connaissent...

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A écouter seule cette bande originale, on se demande comment une telle musique peut coller sur des images de film. Surtout quand le film en question est un polar rural avec Alain Delon et Simone Signoret.
Hé bien, bizarrement, ça marche plutôt pas mal.

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Un disque d'électro-jazz cohérent, compact. Du genre compliqué à creuser dedans. Au final, l'une des curiosités de la discographie de Jean-Michel Jarre, et une preuve lancée à ses détracteurs que le garçon sait varier les genres.

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Écouter Deserted Palace, c'est comme regarder THX 1138 pour mesurer l'ensemble de la carrière de George Lucas, ou Le Bunker de la dernière rafale pour Caro & Jeunet : l'intérêt est avant tout archéologique.

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La production est soignée, on ne peut pas le nier. Dans l'ensemble, c'est du bon son. Dommage que la musique ne soit pas à la hauteur.

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Téo & Téa, c'est de la musique pour dance-floor bâclée par un homme qui voudrait bien rester accroché à son époque mais qui n'y arrive pas. C'est de la mélasse assistée par ordinateur, du plug-in à gogo, des étirements sans queue ni tête de séquences et de basses sur un accord, de boîtes à rythme impersonnelles.
C'est un album à fuir, à oublier, à enterrer dans le bush australien en espérant que le feu reprenne. C'est la dégringolade d'un artiste se mentant à lui-même, perdu dans d'épaisses ténèbres, cherchant à tenir en laisse le fantôme d'une jeunesse qu'il a laissé filer depuis longtemps.